¡Escribir música es divertido! Es una gran salida creativa y uno de los formatos más fáciles de usar es una configuración de voz de dos o tres partes. Este artículo te ayudará a escribir una canción para el coro de tu iglesia, el coro de la escuela o simplemente para matar el tiempo.
Pasos
Paso 1. Aprenda sobre la estructura de acordes, progresiones de acordes y armonía, y sepa cómo colocar un acorde de manera apropiada en una oración musical (un sitio web es 8notes.com
Una excelente manera es descubrir la música coral y tocar o analizar la partitura. Además, conozca el rango de las partes de voz que desea utilizar. Una pauta es
Paso 2. Soprano:
Do medio a una octava y una sexta arriba
Paso 3. Altos:
G por debajo de la C media a D una novena por encima de la C media
Paso 4. Tenores:
Do una octava por debajo del Do medio hasta G una quinta por encima del Do medio
Paso 5. Bajos:
G una octava y cuatro notas por debajo de C medio a C medio
Paso 6. Decide si vas a escribir una canción con acompañamiento (piano, conjunto de cámara, orquesta) o sin (a cappella)
También sepa escribir para el acompañamiento.
Paso 7. Decide las voces que estarán en tu canción
Este paso es fundamental porque la configuración de la voz determina cómo se espacian y expresan los acordes, y porque la configuración de la voz establece el rango de tono en el que pueden existir sus melodías. Los arreglos más comunes son Soprano 1, Soprano 2, Alto (SSA) y Soprano, Alto, Tenor, Bajo (SATB), pero se utilizan muchos otros arreglos de voz (TTBB, SSAATTBB, etc.) o podrían inventarse.
Paso 8. ¡Ahora estás listo para empezar a escribir
Puedes empezar de la forma que quieras. Sin embargo, una regla básica sería conocer primero la letra. De esta manera, puede planificar una estructura agradable y "pintar" las palabras y oraciones (por ejemplo, acordes tensos en palabras dolorosas, crescendos musicales para crescendos emocionales, ¡o viceversa!). Los siguientes pasos son meramente ejemplares:
Paso 9. Escriba una melodía corta de cinco o seis compases (manténgala simple) y decida qué parte de la voz la cantará
Paso 10. A continuación, determine qué acordes se colocarán en cada lugar de las voces de armonía
Experimente, observe progresiones en canciones populares o piezas clásicas o use números romanos (los acordes más comúnmente usados en la tonalidad mayor son I, IV, V. En la tonalidad menor i, iv, v, V) como se usan en teoría musical.
Paso 11. Ahora construya la armonía en las otras voces
Posiblemente usando los símbolos de acordes de números romanos que colocó anteriormente. Los acordes de bloque se encuentran más comúnmente en esta configuración debido al carácter sonoro de las melodías cantadas.
Paso 12. Repita los tres pasos anteriores hasta que tenga una pieza musical sustancial
Paso 13. Si está escribiendo música con acompañamiento de piano, intente pensar en un enfoque nuevo:
florido y libre o estático, siguiendo rítmicamente el coro o no, o estilo de respuesta a la llamada. Combine y pruebe lo que crea que funciona. Eche otro vistazo a las piezas exitosas si su inspiración se agota. Incluso podría usar los símbolos de acordes de números romanos en la línea de la melodía para determinar los acordes que se usarán en el acompañamiento. Luego escriba el acompañamiento de piano usando acordes móviles y acordes en bloque libremente para complementar la melodía del coro.
Paso 14. Ahora es el momento de poner la letra debajo de las notas
La letra puede prepararse de antemano o adaptarse a la música existente. Podrías optar por poner una sílaba por nota, una sílaba para muchas notas o incluso muchas sílabas en una nota, dejando que los cantantes las pronuncien libremente, para crear un efecto de susurro fascinante (echa un vistazo a la música de Eric Whitacre para uso eficaz de los efectos. Recuerde: menos es más).
Paso 15. ¡Y listo
¡Listo! Simplemente agregue la dinámica que debe tener en el fondo de su mente en todo momento mientras escribe y ¡tendrá una pieza musical sólida! Llévelo al coro de su iglesia o cántelo en la ducha. Es todo tuyo para usarlo libremente como desees. La retroalimentación puede ser muy útil para aprender a escribir de manera más idiomática y mejorar su destreza creativa.
Consejos
- Asegúrese de revisar el producto final una y otra vez. Pídale a otra persona musical que lo revise también. Asegúrese de que no haya octavas / quintas paralelas, saltos incómodos, partes cruzadas (es decir, la nota de tenor no puede ser más alta que la nota de alto. La nota de alto no puede ser más alta que la nota de soprano anterior), grandes distancias entre las partes. (alto y soprano no deben tener más de una octava, tenor y alto no deben tener más de una octava, y tenor y bajo no deben ser más de una doceava), problemas de rango, etc.
- ¡Recuerda que escribir música lleva mucho tiempo! Si se siente frustrado o aburrido, tome un descanso largo (más de una hora) y comience a escribir nuevamente. A menos que tenga una comisión, no debe intentar forzar el proceso creativo para que funcione para usted. ¡Déjate llevar y diviértete!
